Gallery Time: 50 Künstler entfalten ihre Kreativität im neuen Ausstellungskonzept
LGR Reutlingen – 15 Juni 2026 | Die aktuelle Ausstellung im Bengaluru‑Kulturzentrum hat bereits für Aufsehen gesorgt: Gallery Time and Space exhibition showcases creativity of 50 artists. Unter dem Titel Continuum: Artists across Time and Space versammeln sich mehr als fünfzig Bildhauer, Maler und Keramikkünstler, um ein vielschichtiges Bild der indischen Gegenwartskunst zu zeichnen. Die Kuratorin Renu George, Gründerin der Galerie, betont, dass Kunst „eine Tiefe besitzt, die über das Oberflächliche hinausgeht und psychologische, spirituelle oder immaterielle Wahrheiten berührt“. Diese Aussage gibt den Ton für das gesamte Ausstellungserlebnis an.
Die Ausstellung ist das neueste Kapitel einer Reihe von Projekten, die seit 2014 im Rahmen von PhotoSparks von YourStory dokumentiert werden. Während frühere Beiträge von Festivals über Jazz bis hin zu Klimakonferenzen reichten, steht das aktuelle Gruppenkonzept im Fokus einer intensiven Debatte über die Rolle von Kunst im digitalen Zeitalter. In einer Stadt, die sich zu einem Hub für Start‑ups und Technologie entwickelt hat, wirkt die Galerie als Gegenpol, der das menschliche Bedürfnis nach Reflexion und ästhetischer Erfahrung betont.
Gallery Time and Space exhibition showcases creativity of 50 artists – ein Überblick
Der Ausstellungskatalog gliedert die Werke in drei thematische Stränge: Erinnerung, Spiritualität und soziale Dynamik. Zu den prominentesten Beiträgen zählt Asish Chowdhurys Keramikinstallation, die aus Ton und recycelten Materialien ein visuelles Gedächtnis kollektiver Proteste formt. Der Künstler aus Kolkata nutzt das Material, um historische Ereignisse in einer Form zu verankern, die sowohl zerbrechlich als auch beständig wirkt.
Akhil Chandra Das, ein preisgekrönter Bildhauer aus Delhi, präsentiert bronzene Figuren, die in einer fast meditativen Pose verharren. Die Skulpturen thematisieren das Spannungsfeld zwischen Wunsch und Verzicht, ein Motiv, das in der indischen Spiritualität tief verwurzelt ist. Das Werk wurde mit dem National Award der 28. Nationalen Ausstellung zeitgenössischer Kunst ausgezeichnet und zieht das Publikum durch seine ruhige, aber eindringliche Präsenz an.
Abdullah Pathan aus Bengaluru kombiniert traditionelle Bildhauerei mit modernen Ästhetiken, indem er dynamische Stierdarstellungen schafft, die Bewegung und Kraft zugleich ausstrahlen. Seine Arbeiten spiegeln die landwirtschaftliche Geschichte Indiens wider, während sie gleichzeitig einen Dialog mit zeitgenössischen Fragen nach Identität und Globalisierung führen.
Bimal Kundu, ebenfalls aus Kolkata, arbeitet mit einer breiten Palette von Materialien – von Bronze über Holz bis hin zu Fiberglas. Seine Skulpturen erzählen vielschichtige Narrative, die von mythologischen Motiven bis zu urbanen Landschaften reichen. Die Vielseitigkeit seiner Technik unterstreicht das übergeordnete Thema der Ausstellung: Kunst als Bindeglied zwischen Vergangenheit und Gegenwart.
Die Malerin Basuki Das Gupta aus Mumbai setzt auf leuchtende Farben und dynamische Kompositionen, um Themen wie zwischenmenschliche Beziehungen und Alltagsrhythmen zu erforschen. Ihre Werke, die häufig abstrakte Formen mit erkennbaren menschlichen Silhouetten verbinden, erzeugen ein Spannungsfeld zwischen persönlicher Erfahrung und kollektiver Identität.
Dimpy Menon, eine etablierte Bildhauerin, präsentiert bronzene Figuren, die Tänzerinnen, Meditierende und Mütter darstellen. Ihre Skulpturen verkörpern Optimismus und Vitalität, wobei jede Linie die Bewegung des menschlichen Körpers nachzuahmen scheint. Der Fokus auf Bewegung verleiht den Objekten eine fast filmische Qualität, die das Publikum in einen stillen Dialog mit dem Dargestellten zieht.
G. Reghu aus Kerala bringt eine ganz andere Perspektive ein: Seine Keramik- und Bildhauerarbeiten sind stark von Gandhischen Idealen, indigenen Materialien und Stammeskulturen inspiriert. Durch die Verwendung von Erde und lokalen Werkstoffen vermittelt er ein Gefühl von Einfachheit und sozialer Verantwortung, das in der heutigen Konsumgesellschaft selten zu finden ist.
Haren Thakur, ein moderner Maler aus Jharkhand, kombiniert tribalistische Bildsprache mit zeitgenössischer Ästhetik. Seine Gemälde zeigen oft harmonische Beziehungen zwischen Mensch, Tier und Natur, wobei Symbolik und Farbe eine fast mythische Erzählung erzeugen. Diese visuelle Sprache spricht sowohl lokale als auch internationale Betrachter an.
Asit Patnaik aus Odisha nutzt intensive Rot- und Orangetöne, um menschliche Beziehungen zu untersuchen. Seine Darstellungen von fließenden Haaren symbolisieren Leidenschaft, Stärke und Weiblichkeit, wobei jede Pinselstrich eine subtile emotionale Schicht hinzufügt.
Die Kuratorin Renu George betont, dass die Vielfalt der Techniken und Themen ein Spiegel der „universellen Wahrheit“ sei, die Kunst laut ihrer Aussage „über das intellektuelle Verständnis hinausgeht“. Sie fügt hinzu, dass die künstlerische Distanz – das „Loslösen vom eigenen Gefühl“ – ein Kennzeichen guten Kunstschaffens sei, weil sie den Künstlern ermögliche, das Gesehene und das Sehende zu vereinen.
Ein weiteres zentrales Motiv der Ausstellung ist die Idee des Kontinuums. Die Werke zeigen, wie historische Narrative in zeitgenössische Diskurse übergehen und wie persönliche Erinnerungen in kollektive Identität transformiert werden. In einem Interview mit YourStory erklärt George: „Wenn Künstler aus Liebe schaffen, überträgt das Subjekt seine Wahrheit auf das Werk, und das Ergebnis ist fast unheimlich präzise.“ Diese Aussage wird durch die gezeigten Werke greifbar, die sowohl lokale Geschichten als auch globale Themen berühren.
Die Ausstellung hat nicht nur kunstkritische Aufmerksamkeit erregt, sondern auch wirtschaftliche Implikationen für den indischen Kunstmarkt. Laut Schätzungen von Kunsthändlern könnte die erhöhte Sichtbarkeit von 50 Künstlern zu einer Steigerung der Nachfrage nach zeitgenössischen Werken führen, insbesondere in aufstrebenden Metropolen wie Bengaluru, Hyderabad und Pune. Das wiederum könnte Investitionen in Galerien und Kunstförderprogramme anregen, die bisher hauptsächlich von staatlichen Förderungen abhängig waren.
Ein weiterer Aspekt ist die digitale Dokumentation der Ausstellung durch PhotoSparks. Die wöchentlichen Fotobeiträge ermöglichen eine breitere Reichweite, die über die physischen Besucher hinausgeht. In einer Zeit, in der virtuelle Ausstellungen immer häufiger werden, stellt die Kombination aus physischem Raum und digitaler Verbreitung ein Modell dar, das andere Kulturinstitutionen adaptieren könnten.
Die Besucherzahlen bestätigen den Erfolg: Innerhalb der ersten zwei Wochen verzeichnete die Galerie über 10.000 Besucher, darunter Kunstsammler, Studenten und internationale Touristen. Die Resonanz auf Social‑Media-Plattformen, insbesondere Instagram, zeigt, dass visuelle Inhalte aus der Ausstellung stark geteilt werden. Dies stärkt die Position von Bengaluru als Kunstmetropole im globalen Kontext.
Abschließend lässt sich sagen, dass die Gallery Time and Space exhibition showcases creativity of 50 artists nicht nur ein ästhetisches Ereignis ist, sondern auch ein Indikator für die wachsende Bedeutung von Kunst als kulturelles und wirtschaftliches Kapital in Indien. Die Ausstellung schafft einen Raum, in dem Geschichte, Gegenwart und Zukunft miteinander verhandelt werden – ein echtes Kontinuum, das sowohl lokale Gemeinschaften als auch internationale Beobachter inspiriert.
